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Qual a origem da arquitetura? O corpo.

E é sobre essa relação que a nova exposição da Galeria Mola, em Portugal,

“Labirinto de Gabinetes: fine art”, do artista visual brasileiro Renato Dib,

a partir do dia 9 de julho, pretende dialogar.

As colagens e técnicas mistas que compõem essa exposição de obras de tecelagem fazem parte de uma pesquisa relacionada com entrelaçamentos – justaposição, sobreposição e jogos de penetração entre cores e formas. Serão exibidas grandes impressões em tecido a partir de colagens e técnicas mistas sobre papel, uma fusão entre anatomia, arquitetura, visceralidades e animosidades cromáticas.

São obras recheadas de surpresas que aguçam os olhos, que trazem mensagens subliminares e desperta a sensorialidade, com o intuito de aproximar o visitante de uma experiência cinestésica, uma qualidade que perpassa o trabalho do artista e faz um convite para o inebriamento.


A relação entre anatomia e arquitetura

Na visão cristã o corpo é receptáculo do divino, por isso imaculado. Quando se diz – à imagem e semelhança de Deus, diz-se também do micro e do macro, do interno e do externo, da casa interior e da casa de Deus.

“Na arquitetura, o prolongamento do corpo pode ser observado nos ambientes herméticos que remetem ao útero materno, palco de experiências sensoriais fundantes para a geração e nutrição de um ser. Assim é o interior da igreja, da sala de espetáculos e todo tipo de artefato que tenha como principal função a proteção, o encapsulamento. Construções que apontam para o céu, como arranha céus, torres de igrejas, minaretes remetem à elevação do espírito a partir da experiência humana cotidiana”, explica Sandro Leite, curador da mostra.

Sandro Leite


frank van de ploeg


Few (professional) footballers nowadays leave their bodies unadorned. Their tattoos seem foremost a fad experienced individually, while for that of people like the aboriginal Maori or gangs like the Yakuza (the Japanese mafia), the branded body is a sign of community belonging.  If there is one person for whom corporeal decoration is intimately connected with personal artistic expression, then that person is Renato Dib.


Every object every organism has a skin. For living creatures it is the buffer between inner organs and the outside world. In terms of art, it is the outermost layer that gives an artwork its tactility: a fluid brushstroke leaves an entirely different mark to a creamily applied one. When an artwork is constructed out of textile, then the potential variation is near infinite. Renato Dib (1973, São Paulo, Brazil) employs multiple layers of textile skin. Outer skins and innards fuse in his work.



We often don’t take the time to philosophize, but our physical insides don’t get a lot of rumination either – with the exception of the odd X-ray for broken bones. Renato Dib sees the human body as a treasure chest. Far from a morbid or medical interest, he is nonetheless terribly intrigued by what it is that our bodies contain. Shapes, colours, cohesion – but also how these relate to the outside world, beyond the safe borders of the human body’s largest organ: the skin. While pioneer Leonardo da Vinci yielded his own knife and some inquisitive 17th-century artists eagerly attended anatomy classes, Dib joins the ranks of medicine men from Classical Antiquity. He pries into internal biospheres.

Dib sews soft collages and textile sculptures. He works intuitively rather than formulating a concept in advance. The materials determine the application. His flatter works get stretched over a wooden frame. He cuts, composes and sews in place – these are the first steps. If the piece requires it, appliqués, embroidery and/or crochet are added or he uses cushions, clothing, towels and lace  accumulated from flea markets and charity shops. 

Do not expect to see anatomic accuracy in Dib’s work. Any attempts to add an explanatory legend to the illustrative innards that might be found in the body’s ‘chunky soup’ are doomed to fail. Yet sometimes one can detect the brain’s ropey folds or we can see bowels that seem to meander over the surface. But beware, his pieces are never faithful representations of organs. They are more like feelings fantasized and fleshed out. And they are linked to many other forms of nature, such as flowers, plants, cells, nests and stars: the microcosm and macrocosm entwined.  

The word ‘tissue’ describes both the thin soft paper used for the nose and the compilation of human cells. Each are a weave of their own. It is no coincidence for Dib that tissue can refer to both textile and biology, since organisms are composed of a conglomeration of compact weaving.

Renato Dib’s ‘cut and paste’ is the warp and weft of his artistic practice. He joins things up, not only in a material sense – forms and fabrics – but also in a spiritual sense: thoughts, images and the imagination.



What inspired you to start art?

I'm a introspective person. Art was a good way to get in touch with myself, with the mistery inside...

And put spare pieces together in form of art was a magic discovery for me.


What was that first approach to art?

Since teenage years, I atended many courses in different criative areas. But the first approach was painting.

I still use all painting skills to built my works. The use of colors and fabrics. The composition and use of light...


What led you to start sculpture?

I wouldn't call those works sculptures. I'd rather call objects.

It was a long way from painting to that. My paintings started to gain "body" when I started to glue some fabrics over the fabric canvas for painting. The next step was not to glue, but to sew the fabrics. And the way to make objects began....


Why are you interested in representing the human body in your works?

I think I'm a voyer. I love to see people. To imagine what is inside them and their heads....


You extract  the human being inner and represent it in a beautiful and unique way, what does the body mean for you ?

We are our bodies. And I think all the universe elements are inside us. It is our daily battleground, and pleasure dome.

Sometimes I feel like those ancient prophets that intended to see the future inside the animals viscerae.

Even when I think about our skin, our external frontier. We collect so many marks along our lifes.... It's a drawing.


What role do  the textures and elements represent in your work?

Somehow like our skin, the fabric and materials have its own history. The history of their manufacture, their origins and their uses along time. I prefer to use materials with a great personality, like my friends!


What was the first work  which  you approached in  fabric, textures and sculpture?

I've been always interested in work with fabrics, even before art college. It started when I used a canvas without frame... The next step was cutting it...


Why do you make a representation of the organs of the human body?

That's what is inside every human being. Yet unknown for us, common people.

They are not only representations of the organs, but they are more like impersonations of inner feelings. They are related to many other forms of flowers, plants, cells, nests, shells, stars, etc.. All interwined.


How do you  associate embroidery with human tissues?

It's the same word, isn't it? Human tissue, fabric tissue. In portuguese, at least: tecido. And tissue means something constructed by threads. Thread is a line and forms a drawing....

There's a lot of lines in your body.... And your mind. The lines of the hand, the lines of destiny.


His work “Nó-Vê-Lo” made in 2010 consists of 12 pieces made of silk, why do you use this kind of material and what does it represent in your work?

Silk has an interesting history. It's a kind of thread that comes from a cocoon. It used to be someone's house for a while. And some person decided to weave it and make a beautiful surface.

I think this surface reminds me the texture of human skin.


The suspension begins to be important  in your sculptures, why do you choose to make your works this way?

Working with fabrics and soft materials always needs some kind of stand to beat gravity. Mostly rigid ones, like the wall, the floor or the ceiling, like our bones.

After exploring the wall many times, I thought it was time to be more vertical.


In 2014 his work “Air Embroidery - Bordados no Ar”  suspension is seen. do you include  the theme of the body?



Where was “Air Embroidery - Bordados no Ar" exhibited?

Not shown properly and complete yet. Just some pieces at Galeria Lume.


Your last exhibition has pieces that you leave the skin tones and experiment with other textures.

I didn't leave the skin tones, but I incorporated tones of other kinds of skins. I was thinking about some animals too.

Textures are richness. It catches our eyes.

What could you tell me about Corpo-Peneira na Poltrona?

That piece was part of the result from an artistic residency that I was invited to particpate. It was in Casa Juisi / Phosphorus, downtown São Paulo, in the historical quartier.

The idea was exploring other "supports" for the objects. Actually, that armchair belongs to that space and brings a lot of memories. I like to explore the possibilities of each space in relation to the organic forms and that exhibition was thought that way. As you can see in the "Soft Corner" and so on.

It could be said that your art work takes place on the site. What role does the space play in your artistic work?

Would you say that your works are in contemporary art in situ? What  caught you the attention of such proposals?

We live in spaces. Our home is our shelter. Our clothes are shelters too.

We are soft, round and warm organs having relations with hard, straight and cold spaces most of the time. i'm very interestedin exploring those contrasts, as you can sed in "Membrana-Trama", "Soft-Corner" and so on.

I like to think my works to fit (or to not fit) into some space.

sandra fernandez


What initially captured your imagination about textile art?

When I started to paint, I was used to do it directly on to some kind of fabric, not on stretched canvas. I’ve soon noticed the tactile sense of those fabrics. And started to glue some other fabrics and materials over it.         

Within some time, I learned how to sew and started to do so. I was interested in the relation between the clothes and the body. The canvas was not anymore just a surface to be painted, but some kind of representation of the skin. 

That was the start of it, but as I developed my own particular techniques, I saw that there was many, many ways to work with fabrics. And many relations with the body itself.

Textiles may represent or be like skins, spots, hair, wrinkles, grooves, eyelids, internal tissues and organs. A folded fabric could be like the folds of the brain. What’s inside those clothes??

And since it was established that artworks cannot be touched, using attractive materials or situations that prompt the touch it’d be an attitude of "transgression", if that's possible. I can carry that situation for the field of human relations: touch or not touch wounds or openings?


What or who were your early influences and how has your life/upbringing influenced your work?

I think my early influences towards textiles were inside my house. My mother used to hire a seamstress to make clothes or to fix clothes for us. She used to come home every week and I was fascinated by the process… But neither she or my mother taught me how to sew (it was considered a “girl” thing).

I didn’t care and I started it by myself…

I think one of my first artistic passions was Klimt and his luxurious representation of fabric and bodies. And the anatomical drawings of Leonardo da Vinci, the flesh in Rubens. Then Francis Bacon, Rauschenberg, Eva Hesse, Lygia Clark, Anette Messager, Louise Bourgeois, Leonilson, Hans Bellmer…


What was your route to becoming an artist? (Formal training or another pathway?)

I became an artist at a very early age. My first exhibition took place when I was only 14 years old. Since then, I studied many techniques, but I was always caught by painting. And I think I still think as a painter even making fabric sculptures.

When I was 21, I went to college to have formal education in Fine Arts here in São Paulo.

At the same time, I went to Leda Catunda (another brazilian textile artist) studio to help me think about my work and some other artists ateliers.

I never went to sewing, embroidery or tricot classes. Every technique I use was self-trained.

What is your chosen medium and what are your techniques ?

Tell us a bit about your process and what environment you like to work in?

I’m attracted to some special fabrics, by the way they are constructed. I love jacquard by its complexity. I love organza by its simplicity. I love silk and its history (the cocoon and the silkworm).

I use mostly plain fabrics to construct my panels and my objects. My first technique is to cut and sew, do some patchwork, some “apliqué”, working the fabrics in unusual manners. I love to create new ways to use the same fabrics.

And I do embroidery, tricot, crochet and some painting also, when its needed.

Sometimes I use pieces of fabrics with a history, used pillows, used clothes, parts of it, towels and linens, beads, lace and treamings. All with some kind of information that caught my eyes and let me be excited to manipulate them.

I love to go to flea markets and second hand shops to find materials.

And I don’t make projects. I want to be inspired by the materials to do some shapes and to propose some color relations, although I mostly use flesh colors.


How would you describe your work and where do you think it fits within the sphere of contemporary art?

I never thought I was a “textile artist”. I’ve always been a contemporary artist that uses this kind of material and explore the meanings of it. I use mostly “ready-made” materials, given colors and put them togheter.

I want to think about what is inside somebody, beyond their appearance, their clothes, their skin, behind their thoughts. Or mine…

There’s a lack of this kind of human reflection nowadays… The sphere of intimacy.

Contemporary art is now so political, so outsider….


What currently inspires you and which other artists do you admire and why?

Sheila Hicks, Adriana Varejão, Sarah Lucas, Nicola Costantino, Nick Cave, Dorothea Tanning, Mathew Barney


How has your work developed since you began and how do you see it evolving in the future?

The body is a question that I don’t intend to leave.  This goes from the macro to micro, from the inside out and vice-versa.


What advice would you give to an aspiring textile artist?

Don’t be afraid of hurting yourself with a needle…


What piece of equipment or tool could you not live without?

A pair of Scissors

textile artist


“Em seus mais recentes trabalhos, Renato Dib refina e tenciona cada vez mais os materiais com que vem operando há já bastante tempo. Retalhos de veludos, sedas, brocados e gazes funcionam como suporte da obra, enquanto costuras, tintas, pérolas, botões e demais adereços remodelam a maleabilidade dos tecidos e elucidam a presença do processo de trabalho. Na maior parte, são objetos de parede, objetos moles sem chassis, objetos escultóricos que usufruem da bidimensionalidade da pintura e, por vezes, agregam também o desenho. Outras vezes, invadem o espaço tridimensional, como a gota, os véus, a casa-mole, objetos que estão incrustados - mais que outros talvez - numa certa herança de Hélio Oiticica e Lygia Clark.

A COSTURA surgiu ainda na época em que o artista era aluno de Leda Catunda. Rapidamente o bordado se inseriu também, enquanto desenho. Desenho que é delineado por delicados fios bordados, por botões, por pérolas, como colagens, formando pequenos e intrincados aglutinamentos fibrosos. A trama adere ao tecido, ao corpo, e cauciona uma expansão oculta, que se dissemina como um murmúrio confrangido, na aderência vibrátil à pele. O desenho ocorre no plano, mas procura estabelecer um lugar para além de si próprio: a sobreposição volumétrica engendra necessariamente uma relação direta com o objeto, isto é, transforma a pintura-desenho em OBJETO.

Sem desprezar de todo a idéia de construção, esses corpos se movem numa investigação crítica e afetiva aos suportes tradicionais, ao mesmo tempo que driblam continuamente qualquer ilusão de harmonia. Operam como elementos dissonantes, como CORPOS ESTRANHOS, segmentados, grumosos, inaptos à harmonização dos materiais, apesar da insistente afinidade entre bordados e tecidos e da irredutível concentração das tonalidades róseo-avermelhadas que permeia quase todas as obras. Como consequência, forçam o olhar a identificar com precisão a maneira como cada um foi elaborado.

Esses objetos são também momentos, lugares, espaços de EMBATE, onde as articulações AMBÍGUAS não se entregam a uma verdade de modo direto, pois não pretendem equacionar qualquer verdade. Entretanto, há neles um ato doloroso de exposição, de fugacidade e melancolia, entrecortado pela insistência das veladuras e transparências. Ato que se constitui em subjetividade e caracteriza uma mitologia pessoal. Mas não há aqui, nessa auto-referência, uma perspectiva cínica: esses objetos enfrentam a idéia do corpo humano como procura de sua expressão no espaço. Não à-toa, evocam sintonias e correspondências em suspensão na obra de Ismael Nery: são corpos impelidos a encontrarem seu suporte ideal, para poderem alcançar sua desmaterialização, seja como imagem projetada do conteúdo do inconsciente, seja como frêmito espiritual. Por isso, movem-se entre o PRAZER e a DOR, entre a maciez da pele e a escara sangüínea, entre o DESEJO e o pecado.

A obra deita raízes no tempo, numa reflexão sobre a situação do ser humano no mundo contemporâneo, conturbado e incerto. Ganha traços biográficos circunstanciais, como registros que se insinuam na fatura, ao se expressar através da costura, do bordado. É um fazer do cotidiano, que visa estabelecer um diálogo com o espectador. Ao mesmo tempo, não interrompe a circulação de experiências da TRAMA interna, marcadamente pessoal. A relação entre a subjetividade e o mundo  se configura como exercício de autonomia do sujeito que intervém no tempo, interrompe seu curso e coloca o corpo erotizado no caminho do conhecimento. Passando pelas percepções sensíveis, pela intuição e pelos arquétipos, as formulações plásticas desses objetos jogam continuamente com a dicotomia INTERNO/EXTERNO e procuram tirar partido da busca infindável pela consciência e pela racionalidade. Para tanto, é preciso lançar-se no abismo infernal, em convite análogo à viagem libertária de Baudelaire:  “mergulhar no fundo do redemoinho, Inferno ou Céu, que importa? / nas raias do Desconhecido para encontrar o novo!”. “

Stella Teixeira de Barros

Janeiro 2001



"(...) Uma obra de arte não deveria ser explicada, arte boa não necessita de explicação. Ou ela suscita indagações, ou semelhanças cultas de estilo, linguagem, conceitos, ou estratégias, que estão, como a BELEZA, nos olhos de quem vê, ou seja, na mente de quem frui uma obra de arte, ou ela não acontece para o espectador.

Na obra de Renato Dib, é possível construir uma sucessão de textos a partir de suas estruturas, geometria, escultura, fisiologia, arquitetura ou materialidade. As telas de Renato, que são costuradas e não, pintadas, propõem desdobramentos de seus últimos trabalhos, as Membranas, como se as diversas CAMADAS fossem uma visão multifacetada do tecido-pele.

Painéis de tecidos transparentes são colocados aleatoriamente na galeria, criando uma espécie de parede translúcida, como um LABIRINTO de membranas. Os desenhos são formados por tubos de tecidos aplicados sobre a base, e tem como inspiração elementos orgânicos, que tanto sugerem partes internas do corpo humano, como intestinos, ou silhuetas de partes externas, entrelaçadas, ENOVELADAS. O fruidor, e seu olhar caminham de fora para dentro, e vice-versa.

E o pictórico alcança o espaço entre as camadas de véus. Peso, densidade, transparências, são agora mais importantes do que tridimensionalidade, ou pintura.

Sua proposta é exatamente uma visão interna e externa, macro e micro, detalhista e universal. O quanto REVELA ou ESCONDE, é o seu forte, mas não uma única leitura.

Olhar esse trabalho e não perceber suas múltiplas camadas e significados, é se enredar no nó da obviedade esférica do tipo que o novelo propõe, e mais uma maneira de não vê-lo."

João Pedrosa


“Tudo o que vemos é, em última instância, subjetivo. Isto acontece não só porque nossas emoções e experiências filtram o que vemos, mas também porque, desde o surgimento da física quântica, se discute se existe uma realidade a ser observada ou se tudo o que observamos é constantemente construído pela consciência, ou experimentação, que tomamos do mundo.  Ou seja, existe algo pré-definido por detrás, independente de nossa observação, esperando para ser DESCOBERTO?

O que o trabalho de Renato Dib nos traz é exatamente isto: tentar ver o que está subentendido, o que está por detrás, uma realidade (se existe tal coisa) que foge a nossa percepção imediata. Suas transparências, por exemplo, funcionam como uma PELE translúcida, nos trazem a imagem de um mundo em vasta parte orgânico, pulsante, com vida própria, às vezes lascivo, erótico, sensual. Mas também um desejo de volta ao útero, à vida perfeita que todos tivemos e perdemos. Símbolos fálicos e feminilidade são, portanto, essenciais a sua obra, fazendo uma INTERCONEXÃO entre signos masculinos e femininos.

Assim, ver o mundo pelo AVESSO onde tudo tem no mínimo dois lados, que constantemente lutam um com o outro, é essencial ao trabalho de Renato. Figuras que são formadas ao acaso, resultados aleatórios de um trabalho que foi construído a partir das possibilidades dos materiais usados e têm, mesmo que marginalmente, um certo grau de organização, emergem no lado avesso do combate entre o que se pretendeu, conscientemente, e o que resultou, inconscientemente.

Outra faceta do seu trabalho está na compactificação das dimensões espaciais: o que vemos como um plano à distância, muda para um volume espacial ao nos aproximarmos. Nesta linha, o jogo com as dimensões espaciais, observadas de acordo com a distância que estamos do objeto, remete a teorias modernas da ciência, que dizem nosso mundo tri-dimensional é apenas a percepção limitada que temos de um mundo hiper-dimensional.  De novo, estamos lidando com a experiência visual de ver de mais de uma maneira algo que, numa primeira leitura, nos passaria despercebido, algo que precisa ser sentido ATRAVÉS DE, por sob de, por dentro de... “

Fernanda Steffens

Outubro 2007

“(...)Los almohadones y cohines de Renato Dib son estructuras objetuales com bordados, patchworks y collages de um fino EROTISMO. Com mónadas barroca, nos dan a ver interiores cerrados, pero em plena actividad y ebulición, em los que se duplican imágenes sinestésicas, destinadas a dar cuenta de enlaces masculinos y femeninos, el universo de la gestación, los líquidos y orifícios depositários del CUERPO próprio y aleno: lagrimas, saliva, sangre, esperma, etc. Subrayamos aqui el valor del anclaje semântico de estos trabajos, logrado a partir del empleo de uma acertada poética de la titulación: “Lenguas”, “Huevo”, “Humedad” y “Dermatografia XXX”. “

Claudia Láudano



“(...)Dib se revela um cultor de intimismos, em trabalhos na escala do corpo humano. Seus objetos escultóricos de parede sugerem peças vestíveis de aura FETICHISTA e, ao mesmo tempo, promovem uma lúdica “aula de DISSECAÇÃO” em intrincadas superposições de tecidos recortados com formas VISCERAIS e tons SANGUÍNEOS.(...)”

Angélica de Moraes

em Guia da Folha – 2001



“Renato Dib constrói objetos MOLES de parede feitos com tecidos. À primeira vista funcionais, lembrando o universo doméstico e utilitário de almofadas, bolsas, calças, eles tomam emprestada a forma orgânica, arredondada de suas partes e ás sensações ligadas ao corpo. Porém, dependurados na parede, lisa e dura, esses objetos funcionam como um CORPO DE AUSÊNCIAS. O ACONCHEGO de texturas e espessuras dos quais os objetos são feitos contrapõem a promessa de um abraço á frieza decorativa de sua acomodação junto à parede.”

Kátia Canton

em Novíssima Arte Brasileira - 2001



“(...)Renato Dib cria comentários sobre o corpo e a sexualidade sem cair nas obviedades da arte gay militante. Usa humor pop e uma operação duchampiana que resulta em objetos insinuantes, PROVOCADORES (...)

Angélica de Moraes

em Folha de São Paulo-1996



“No trabalho de Renato, a disciplina construtiva da tessitura decorativa de fundo se confronta com seu barroquismo implícito, acrescido pela tactibilidade das veladuras ora coladas, ora costuradas e por vezes perfuradas de materiais que vão da densidade profunda do veludo à fina película da renda. Nesse assentamento de pele sobre pele, derme sobre derme, o embate das formas não se dá como luta de um elemento contra o outro, mas como impossível à estabilidade de qualquer hierarquia estrutural. É uma conjunção exacerbada de SOBREPOSIÇÕES, exaltação sensorial liberadora do construcionismo embrionário da tela. Os RASGOS e aberturas por onde correm as células sanguíneas da pintura reforçam núcleos de sedução, enquanto os estiramentos dos tecidos, sua voluptosidade ou transparência, deslocam e embaçam o olhar, perturbando a determinação de planos e tornando tensionados, adentra e reforça o redemoinho explosivo e convulso da sensualidade e das pulsões, deflagrando o inquietante e incerto terreno da AMBIVALÊNCIA.”

Stela Teixeira de Barros




“Renato Dib revela o corpo enquanto detentor de dramaturgia própria. Este se CAMUFLA em bolsos-casulos, úteros-invólucros, formas contentoras. A derme reveste os diferentes tecidos e não, vice-versa. O corpo é passível de uma domesticidade e se exibe sedutoramente aos nossos olhos em formas híbridas de tramas têxteis intrincadas e sensuais. Somos VOYEURS de uma organicidade de peles fakes e barrocas: a epiderme ganha uma MAQUIAGEM ornamental.

Tal como Narciso, que se curva sobre o lago e vê-se fascinado por si mesmo, nos desdobramos sobre nós mesmos. O “I’ll be your mirror” é agora: não serei seu reflexo, mas seu ENIGMA. O objeto instintivamente nos DESMASCARA: morremos como realidades e nascemos como enganos. Vertigem. Vence o trompe l’oeil."

Daniella Samad


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